Images & Texts

The Städel Museum in Frankfurt presents a high-carat selection of Netherlandish prints from the late sixteenth and the early seventeenth century from 4 June to 14 September 2014. The special exhibition focuses on about sixty-five works by the artist Hendrick Goltzius (1558–1617), one of the most brilliant draftsmen and printmakers active around 1600. His oeuvre is characterized by highly erudite and deliberately complex contents as well as extremely stylized solutions and, thanks to his engravings’ international dissemination, became famous throughout Europe. The exhibition “Style and Perfection. Hendrick Goltzius and Dutch Mannerist Printmaking” presents a total of about one hundred prints and four complementary drawings from the holdings of the Städel Museum in the Exhibition Hall of the Department of Prints and Drawings. Alongside major works by Goltzius, the show comprises works by Jan Harmensz. Muller (1571–1628), Jan Saenredam (1565–1607), Jacques de Gheyn II (1565–1629), and Jacob Matham (1571–1631) as important artist of his circle.

Born near today’s Venlo in the Netherlands in 1558, Hendrick Goltzius was one of the last great masters of copperplate engraving before this printing method took second place to the more flexible and personal etching technique in the seventeenth century. Goltzius came from a rather modest family of artists on the Lower Rhine and, after being trained as a copperplate engraver, worked for renowned publishers of prints in Antwerp before he founded his own publishing house in Haarlem in 1582. Though far from the realistic Baroque style of the seventeenth century as a late mannerist artist, Goltzius also ranks among the masters ushering in the Dutch Golden Age.

Beyond his technical perfection, another special quality of Hendrick Goltzius’s art lies in its high degree of reflection. He was not only a printmaker but also a draftsman creating his own compositions for his publishing house from its very beginnings. Goltzius was in close contact with the most important Dutch artists and particularly with the chief art theorist of his day, Karel van Mander (1548–1606). Owing to these connections, which were linked with endeavors to professionalize art in the Netherlands on an academic level, he got in touch with Bartholomeus Spranger (1546–1611), the influential court painter of the Holy Roman Emperor in Prague. Goltzius developed a copperplate technique suited to translate Spranger’s elegant, affected, and figure-oriented mannerism into the medium of printing. His graphic means consist in virtuoso, elaborately swelling and subsiding lines and flexible hatchings that emphasize the plasticity of forms and unfold a calligraphic quality of their own. Spranger’s art focuses on figures – elegant women and muscular heroic men; thematically, they oscillate between religious and often erotically tainted mythological subjects. Goltzius’s own compositions in this style, such as his sheets from the series The Roman Heroes (1586) or The Great Hercules (1589), mainly highlight the figures’ heroic aspect.

His works after Spranger ensured Hendrick Goltzius’s international renown; his publishing house produced the best prints of his time both in terms of contents and technique. Though Goltzius gave up Spranger’s style after only a few years, his pupil Jan Harmensz. Muller continued to work in this overelegant mannerist mode, even enhancing its sophisticated graphic language with shimmering moiré effects in the hatchings. Goltzius, who always experimented with new techniques and forms like with the colored or chiaroscuro woodcut, came to prefer a calmer, clearer language of forms informed by Antiquity and the Italian Renaissance under the influence of a tour through Italy in 1590 and 1591. Large copperplate engravings after ancient sculptures such as his The Farnesian Hercules from 1592 exemplify this turn. In the 1590s, Goltzius also began to dedicate himself to an intense study of the old masters, especially to Albrecht Dürer’s and Lucas van Leyden’s prints. With his so-called “master prints”, the Netherlandish artist strove to demonstrate his position as an artist on a par with – or even superior to – the old masters in the sense of “aemulatio”, the endeavor to equal or surpass one’s models. Besides the frequently programmatic prints he engraved himself in those years, his imaginative compositions were mainly executed by artists of his workshop like Jacob Matham and Jan Saenredam in particular. Around 1600, Goltzius entrusted his stepson Jacob Matham with the management of his publishing house, gave up his work as a printmaker, and committed himself to painting until his death in 1617.

The Städel Museum’s Department of Prints and Drawings is in the fortunate position of being able to present the work of Goltzius and his circle as printmakers in a comprehensive way based on its own, very good holdings. Part of the works preserved in the museum come from the collections assembled by the institute’s founders Johann Friedrich Städel (1728–1816) and Johann Georg Grambs (1756–1817), the first chairman of the foundation’s administrative board. These holdings were prudently complemented by Johann David Passavant (1787–1861), the director of the Städel collections, in the nineteenth century. Another part of the prints comes from the estate of Senator Johann Karl Brönner (1738–1812), a contemporary of J. F. Städel. The museum’s Department of Prints and Drawings not only comprises extraordinary examples of Hendrick Goltzius’s major copperplate engravings and woodcuts but also rare artist’s proofs by Jan Muller, which provide enlightening insights into the engravers’ working techniques. The presentation is rounded off by some of Goltzius’s drawings, also from the Städel’s own holdings.

“Style and Perfection. Hendrick Goltzius and Dutch Mannerist Printmaking” picks up the thread of former exhibitions on old prints shown in the Städel Museum. Art-historically speaking, Goltzius’s works close a gap between early sixteenth-century prints like those of Lucas van Leyden, who was very influential in the Netherlands (exhibited in 2006), or of Albrecht Dürer (exhibited in 2007) on the one hand and seventeenth-century prints by such artists as Jacques Callot (exhibited in 2002), Rembrandt (exhibited in 2003 and 2013), or Claude (exhibited in 2012) on the other. As is the present presentation, these exhibitions were concerned with familiarizing visitors to the Städel Museum with the technical specifics, the particular compositional circumstances and possibilities, the individual and social function, the marks of quality, in short: with the significance and beauty of the visual medium of prints.

Das Städel Museum widmet sich vom 5. März bis 15. Juni 2014 in einer umfangreichen Ausstellung dem Schaffen eines der bedeutendsten deutschen Expressionisten, Emil Nolde (1867–1956). Obwohl in zahlreichen thematischen Sonderausstellungen vertreten, wurde Noldes Werk in Deutschland seit 25 Jahren nicht mehr in einer Retrospektive gewürdigt. Zu sehen sind rund 140 Arbeiten, darunter Meisterwerke wie Frühling im Zimmer (1904), Das Leben Christi (1911/12) oder Kerzentänzerinnen (1912), aber auch einige bisher nicht außerhalb von Seebüll gezeigte Gemälde und Grafiken des Künstlers. Die von der Nolde Stiftung Seebüll und vielen Leihgebern unterstützte Ausstellung ermöglicht auf der Basis neuer Forschungserkenntnisse einen Überblick über die Vielfalt von Noldes Œuvre. Die Werkauswahl reicht von expressionistischen Landschaften über rauschende Berliner Nachtszenen und exotische Südseemotive bis hin zu religiösen Darstellungen. Einer lockeren Chronologie folgend, umfasst die Retrospektive Gemälde, Aquarelle und Druckgrafiken aus allen Schaffensphasen des Künstlers. Noldes Früh- und Spätwerk, das in vergangenen Ausstellungen oft weniger Beachtung fand, kommt hier besondere Aufmerksamkeit zu. Es wird erkennbar, wie der Künstler mit verschiedenen Malweisen experimentierte, bevor er zu seinem charakteristischen Stil fand. Noldes aufgelöste und dynamische Malweise lässt die Konturen der dargestellten Figuren in den Hintergrund treten. Die vibrierenden Farben werden zum primären Ausdrucksmittel. „Als eines der ersten Museen in Deutschland hat das Städel Museum Werke der deutschen Expressionisten in seine Sammlung aufgenommen. Dementsprechend hoch ist ihr Stellenwert für das Haus. Nach Ausstellungen wie Ernst Ludwig Kirchner. Retrospektive (2010) und Beckmann & Amerika (2011/12), freuen wir uns, nun einen weiteren Hauptvertreter des Expressionismus in einer monografischen Präsentation zeigen zu können“, kommentiert Max Hollein, Direktor des Städel Museums, das Projekt. „Kaum ein anderer Künstler der klassischen Moderne ist so vielfach besprochen und in deutschen Museen so allgegenwärtig wie Emil Nolde. Die Retrospektive wird anhand aktueller Forschungsergebnisse einen frischen Blick auf einen der bekanntesten Künstler werfen, in dessen Œuvre es noch vieles neu zu entdecken gibt“, ergänzt Dr. Felix Krämer, Kurator der Ausstellung und Leiter der Sammlung Kunst der Moderne im Städel Museum. „Emil Nolde. Retrospektive“ zeigt auf beiden Stockwerken des Ausstellungshauses in zwölf Kapiteln das Gesamtwerk des Künstlers in der ganzen Bandbreite seiner thematischen wie auch medialen Vielfalt: Die Ausstellung beginnt chronologisch mit dem Frühwerk Noldes. Sein erstes Gemälde, Bergriesen (1895–96) aus der Nolde Stiftung Seebüll, nimmt die anhaltende Begeisterung des Künstlers für das Fantastische und Groteske vorweg, das später immer wieder in seinem Werk auftaucht. Das Gemälde wird im ersten Raum der Ausstellung zusammen mit Arbeiten gezeigt, die sowohl den frühen Einfluss der dänischen Malerei auf Nolde als auch seine Anregung durch den französischen Impressionismus deutlich machen. Der künstlerische Durchbruch gelang Nolde mit Blumen- und Gartenbildern, in denen er mit dem Potenzial der Farbe experimentiert. Diese bis heute für ihn als charakteristisch geltenden Motive sind im zweiten Raum der Schau zusammen mit zeitgleich entstandenen figürlichen Arbeiten zu sehen. Noldes figürliche Werke zeichnen sich durch eine eher flächige Malweise aus, wie das Hauptwerk Freigeist (1906) veranschaulicht. Im darauffolgenden Raum wird anhand der Serie Herbstmeere (1910) Noldes Annäherung an die Abstraktion thematisiert. Bis ins hohe Alter beschäftigt ihn das Motiv der wilden See. Die tosenden Wogen unter dramatischem Himmel entstehen auf der Ostseeinsel Alsen, in einem Bretterverschlag, den sich der Künstler direkt am Strand baute. In diesem „Atelier“ fertigt Nolde ebenfalls einige seiner frühen biblischen und Legendenbilder, die im anschließenden Raum gezeigt werden. Die religiösen Sujets gehören zu den Höhepunkten in seinem Gesamtwerk. Nolde setzt Szenen des Alten und Neuen Testaments, wie beispielsweise in Grablegung (1915), mit leuchtenden Farben und flächigem Farbauftrag um. Der nächste Raum ist allein dem bedeutenden Altarwerk Das Leben Christi (1911/12) gewidmet, das ausnahmsweise den eigens dafür eingerichteten Ausstellungsraum in Seebüll aus Anlass der Retrospektive verlassen darf. Nachdem die Nationalsozialisten den neunteiligen biblischen Zyklus aus dem Museum Folkwang in Essen beschlagnahmt hatten, wurde Noldes Hauptwerk prominent im ersten Saal der Münchener Femeschau „Entartete Kunst“ ausgestellt. Noldes religiösen Bildern folgen seine Beobachtungen aus Berlin. Dort verbringt er ab 1905 die Hälfte des Jahres. Meisterwerke des deutschen Expressionismus wie Im Café (1911) aus dem Essener Museum Folkwang oder Tänzerin in rotem Kleid (1910) aus der Kunsthalle Emden porträtieren das bunte Nachtleben der Metropole. Erstmals werden diese Arbeiten gemeinsam mit Noldes politischen und sozialkritischen Gemälden, wie Soldaten (1913) oder Schlachtfeld (1913), präsentiert. In Berlin beginnt auch Noldes Interesse an außereuropäischer Formgebung und Kunst, das im nachfolgenden Raum thematisiert wird. Das Gemälde Exotische Figuren (Fetische I) (1911) basiert auf Zeichnungen, die Nolde bei Besuchen im Königlichen Museum für Völkerkunde nach Exponaten anfertigt. Den Auftakt im Obergeschoss des Ausstellungshauses machen die Werke, die während und im Anschluss an Noldes Teilnahme an einer Expedition des Reichskolonialamtes nach Neuguinea entstehen. Im glühenden Kolorit der Tropensonne (1914) aus der Sammlung der Nolde Stiftung Seebüll manifestiert sich Noldes Sehnsucht nach einem von der westlichen Zivilisation unberührten Naturidyll. An das Kapitel der Südsee schließt sich die Präsentation von Noldes Werken aus den Jahren 1915 bis 1932 an. Der Künstler konzentriert sich während dieser Zeit auf die Sujets seiner nordschleswigschen Heimat: Dort porträtiert er die unbändige Naturgewalt des Meeres sowie die von ihm angelegten Blumengärten, die er in Werken wie Schwüler Abend (1930) mit der rauen nordischen Landschaft konfrontiert. Zudem entstehen in reicher Fülle variantenreiche und farbenfrohe Blumenaquarelle. Mit insgesamt 20 dicht an dicht gehängten Blättern breitet die Ausstellung einen leuchtenden Farbenteppich aus. Neben Blumenbildern interessiert sich Nolde in dieser Zeit vor allem für fantastische Motive, die wie Meerweib (1922) den Einfluss Arnold Böcklins verdeutlichen. Zu dieser Werkgruppe grotesker Sujets zählt auch das Aquarell Tier und Weib (1931–1935) aus der Serie der Phantasien, das zu den unter der Bezeichnung Ungemalte Bilder bekannt gewordenen Aquarellen überleitet. Diese außergewöhnlichen Aquarelle fertigt Nolde ab 1938 in der Zeit der nationalsozialistischen Diktatur. 1941 wird dem Künstler ein umfassendes Berufsverbot erteilt: Er darf seine Werke nicht mehr der Öffentlichkeit präsentieren oder verkaufen. Bereits 1938 beginnt er, ausgewählte Arbeiten aus der Serie der Ungemalten Bilder in Öl zu übertragen. Einer Auswahl dieser Gemälde ist der nächste Raum gewidmet. Bis heute sind einige dieser Gemälde, die auf den Ungemalten Bildern basieren, noch nicht öffentlich präsentiert worden, dazu zählt auch Frühling im Herbst (1940). Der Chronologie folgend, endet die Ausstellung mit der letzten Lebensphase Noldes von 1946 bis 1956. In seinem Spätwerk spielen ausdrucksstarke Natur- und Landschaftsdarstellungen eine entscheidende Rolle: Den Endpunkt der Retrospektive bildet Bewegtes Meer (1948) aus der Kunsthalle zu Kiel. Emil Nolde wird am 7. August 1867 im Dorf Nolde nahe der deutsch-dänischen Grenze als Hans Emil Hansen geboren. Nach der Volksschule absolviert er eine Lehre als Holzbildhauer, parallel dazu nimmt er Unterricht in gewerblichem Zeichnen. Ab 1892 ist Nolde Fachlehrer für farbliches und ornamentales Zeichnen am Industrie- und Gewerbemuseum in St. Gallen. Durch den großen kommerziellen Erfolg seiner Bergpostkarten ist es ihm möglich, 1897 als freier Maler nach München zu gehen. In den folgenden Jahren bis 1902 nimmt Nolde an unterschiedlichen privaten Kunstschulen in München, Paris und Kopenhagen Unterricht und macht Bekanntschaft mit skandinavischen Künstlern. 1902 heiratet er die dänische Schauspielerin Ada Vilstrup. Mit der Heirat legt er seinen Geburtsnamen ab und nennt sich nach seinem Heimatort Nolde. 1903 entsteht Noldes erstes Gartenbild, ab 1906 widmet er sich verstärkt diesem Sujet. Das Ehepaar zieht 1903 auf die Ostseeinsel Alsen, ab 1905 verbringt es die Hälfte des Jahres zumeist in Berlin. 1906 wird Nolde für achtzehn Monate Mitglied der Künstlergruppe „Brücke“. 1908 tritt er der Berliner Secession bei, aus der er wegen Unstimmigkeiten mit Max Liebermann allerdings 1910 ausgeschlossen wird. Ab 1912 finden Noldes Arbeiten deutschlandweit großen Anklang. Überall sind Ausstellungen seiner Werke zu sehen, die regelmäßig vom Feuilleton besprochen werden. Bis zum Ende der 1920er-Jahre halten seine Arbeiten Einzug in die Sammlungen von 21 Museen. Nach der Teilnahme an einer „Medizinisch-demografischen Deutsch-Neuguinea-Expedition“ des Reichskolonialamtes im Jahr 1913 findet die Motivik der Südsee Eingang in sein Werk. Ab 1923 werden seine Werke auch international beachtet. Durch die „Machtergreifung“ der Nationalsozialisten erfährt das Schaffen Emil Noldes eine Zäsur. Seine Frau und er begrüßen voller Hoffnung den politischen Wechsel und stellen bereits 1933 einen Antrag zur Aufnahme in den völkischen „Kampfbund für deutsche Kultur“, der jedoch abgelehnt wird. Ein Jahr später tritt Nolde in die Nationalsozialistische Arbeitsgemeinschaft Nordschleswig (NSAN) ein, die später zu den Gründungsparteien der Nationalsozialistischen Partei in Nordschleswig (NSDAPN) gehört. Aus dieser Zeit existieren zahlreiche Briefe und Dokumente, die seinen Wunsch nach Teilhabe dokumentieren. Mit diesen Bemühungen kann er sich jedoch nicht durchsetzen. 1937 werden 1102 seiner Werke aus öffentlichen Sammlungen beschlagnahmt, 47 Arbeiten, darunter 33 Gemälde, werden in der Ausstellung „Entartete Kunst“ in München gezeigt. 1941 schließt man den Künstler schließlich aus der Reichskammer der bildenden Künste aus. Ihm wird ein Berufsverbot auferlegt. Zwischen 1938 und 1945 entsteht die Werkgruppe der Ungemalten Bilder, Aquarelle, die er ab 1938 in Öl überträgt. Nach dem Ende des Zweiten Weltkrieges werden Nolde zahlreiche Ehrungen wie beispielsweise die Verleihung des Grafik-Preises der XXV. Biennale in Venedig zuteil. 1956 stirbt Nolde im Alter von 88 Jahren. Die Ausstellung „Emil Nolde. Retrospektive“ wird nach ihrer Präsentation in Frankfurt vom Louisiana Museum of Modern Art in Humlebæk, Dänemark übernommen (4. Juli bis 19. Oktober 2014).