Images & Texts

Press release 

Monet on the Normandy Coast. The Discovery of Étretat 
19 March – 5 July 2026
Exhibition Annex

The coastal town of Étretat has become a myth—and continues to fascinate to this day. The cliffs of Étretat, located in Normandy on the Atlantic coast, captivated numerous artists in the 19th century. From 19 March to 5 July 2026, the Städel Museum will present a major exhibition dedicated to the artistic discovery of the former fishing village of Étretat and its influence on modern painting. Around 170 exceptional paintings, drawings, photographs and historical documents on loan from leading French, German and other international museums as well as several private collections will be on display in Frankfurt. Among them are no fewer than twenty-four works by Claude Monet.  

Étretat played an important role in the emergence of a new style of painting that went down in art history as Impressionism. The artists were particularly interested in the distinctive cliff landscape, which they found both excitingly beautiful and threatening. Painters and writers travelled to Étretat, and it was through their works that this remote place became famous beyond France’s borders. Following an increase in tourism around 1850, Étretat developed into a popular seaside resort and meeting place for artists, intellectuals and the Parisian bourgeoisie. Gustave Courbet painted his famous wave pictures here; Guy de Maupassant elevated Étretat to a place of longing in his writing; and Maurice Leblanc’s fictional gentleman thief, Arsène Lupin, hoarded his treasures here. The aspiring painter Claude Monet was so fascinated by the unique cliffs and their three rock arches—the Porte d’Amont, the Porte d’Aval and the Manneporte—that he dedicated several paintings to them. Impressed by the ever-changing light and weather conditions, Monet began painting series of motifs in Étretat for the first time, a working method that would later become his trademark.  

In addition to works by Eugène Delacroix, Gustave Courbet, Claude Monet and Henri Matisse, the exhibition brings together a host of other important figures in modern and contemporary art, including Johann Wilhelm Schirmer and Eugène Le Poittevin, as well as Camille Corot, Eugène Boudin and Elger Esser. Together, the works illustrate the enduring fascination that this place continues to exert to this day. Loans come from the Staatliche Museen zu Berlin, the Fitzwilliam Museum in Cambridge, the Metropolitan Museum of Art in New York, the National Gallery of Canada in Ottawa and the Musée d’Orsay in Paris, among others.  

Philipp Demandt, Director of the Städel Museum, emphasizes: “With our major special exhibition in spring 2026, we are for the first time dedicating ourselves to exploring the emergence of the myth of Étretat. This coastal town, with its striking rock formations and unique light, has been a source of fascination for artists since the 19th century, and continues to captivate to this day. It was in Étretat that Claude Monet developed his famous serial depiction of motifs, which had a decisive influence on Impressionism. We are particularly proud that two outstanding works from the Städel Collection, which were created in Étretat, form the starting point of the exhibition: Monet’s Luncheon and Gustave Courbet’s The Wave. These are complemented by high-calibre international loans, including twenty-four works by Monet alone. We would like to express our sincere thanks to all lenders and our sponsors for their generous support. We look forward to exploring the enduring fascination of Étretat together with our visitors.”  
 
“In the hundred years or so from Romanticism to Classical Modernism, the artistic view of the impressive coastal landscape around the small town of Étretat underwent multifaceted change. The spectrum ranges from atmospheric watercolour and oil studies to early photographs and Claude Monet’s famous paintings of the impressive cliffs. With its distinctive coastal landscape, Étretat was a magnet for artists of several generations. In collaboration with the Musée des Beaux-Arts de Lyon, it was a central concern of ours to place Courbet’s epoch-making wave paintings and Monet’s serial landscape paintings in a broader context and to highlight Étretat’s significance for modern art,” explain Alexander Eiling and Eva Mongi-Vollmer, curators of the exhibition at the Städel Museum.    
 
Curators: Alexander Eiling (Head of Modern Art, Städel Museum), Eva Mongi-Vollmer (Curator, Städel Museum), Stéphane Paccoud (Conservateur en chef, Peintures et sculptures du XIXe siècle, Musée des Beaux-Arts de Lyon) and Isolde Pludermacher (Conservatrice générale peinture, Musée d’Orsay, Paris) in cooperation with Eva-Maria Höllerer (Curator, Städel Museum) and Nelly Janotka (Assistant Curator, Städel Museum)  
 
Sponsored by: Fraport AG, Fontana Foundation, Städelscher Museums-Verein e.V., City of Frankfurt am Main – Department of Culture and Science  
Marketing and Media Partners: Alnatura, Ströer Deutsche Städte Medien GmbH, Elisabethen Quelle, Frankfurter Allgemeine Zeitung, arte  
     
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Major Endowment Campaign for the Museum’s Core Funding / Endowment Contributions from Supporters have begun

The Städel Museum is the first German art museum to launch a comprehensive endowment campaign. The aim is to significantly increase the foundation capital, which will be preserved in the long term. The launch of the endowment campaign was announced yesterday at a festive event at the Städel. In the presence of 160 supporters of the museum, the establishment of the Städel Future Fund was ceremoniously announced.

Supported by the non-profit Städelsches Kunstinstitut foundation, the Städel is one of the oldest and most successful civic museum foundations in Germany. The museum is primarily financed by its visitors, private patrons, foundations, corporate partners and the Städelscher Museums-Verein. Additional funds come from the City of Frankfurt and the State of Hesse. In the medium term, the Städel Endowment will be another important pillar of the museum’s core funding.

More than two centuries after its founding through the generous bequest of Johann Friedrich Städel, his museum is now taking a decisive step towards securing its longterm financial independence. Over the coming years and decades, contributions to the Städel Future Fund will gradually expand the museum foundation’s capital. All endowment contributions to the Städel Museum are legally inalienable. The endowment will not be spent but rather preserved for future generations. The income, however, can be used to finance all of the museum’s core tasks.

The aim is to increase the Städelsches Kunstinstitut endowment to at least 100 million euros. The initiative is modelled on the endowments of major international cultural and scientific institutions, particularly in the United States.

The endowment will ensure that Johann Friedrich Städel’s vision of a civic museum is carried forward into the future. The campaign, guided by the principle Städel remains Städel, is aimed at the general public. Preparations for the Städel Endowment began in 2023. Since then, the Städel Museum has already received endowment contributions and pledges amounting to over € 10 million. Exceptional contributions were made by several private individuals, foundations of Frankfurt and the Städelscher Museums-Verein. The Städel Museum will achieve at least a quarter of its aimed amount through bequests from long-standing visitors. Further bequests have already been pledged to the museum. At yesterday’s festive event at the Städel Museum, this sum was increased by several million euros thanks to the generosity of the guests.

Philipp Demandt, Director of the Städel Museum, on the endowment: “The world is changing, and only what changes will remain. The Städel is embracing this change and shaping it with resoluteness and self-determination. The significant expansion of our foundation’s endowment is a historic milestone and, at the same time, the next logical step towards the future. The existence and success of the Städel Museum have been shaped by civic engagement like few other institutions—and have been for over 200 years. Our primary goal is to preserve the openness and freedom of our institution, as well as its financial independence, for future generations. The first generous contributions to the endowment fill us with great confidence. Companions become pioneers! Everyone is invited to contribute to the ‘Städel Future Fund’! My sincere thanks go to all friends and supporters who are committed to this great task.”

The Städel Museum is one of Germany’s best-known and most visited art museums, with a collection of international masterpieces spanning over 700 years. The museum presents major special exhibitions by renowned artists and continuously broadens its perspective on art history through programmatic new discoveries. Its science, research and art education are of the highest calibre. Through its diverse educational programme and free digital offers, the Städel promotes community for all generations and cultural participation into old age.

The Städel Museum has been a private foundation since its establishment in 1815. With 85% of its total budget financed from its own resources, the Städel Museum has one of the highest self-financing ratios of any European museum. Admission revenues and donations from civil society are key sources of funding for the Städel. Essential information about the Städel Endowment can be found on our website.

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One of the most important sculpture acquisitions in the history of the Städel Museum / Gothic Madonna returns to the Altenberg Altar in the Städel / Work is listed as Cultural Property of National Significance

For the Städel Museum, it is one of the most significant acquisitions in its history: the Virgin and Child Enthroned (c. 1320–1330) from the Altenberg Altarpiece was purchased for the Städel Museum with the support of the Ernst von Siemens Art Foundation, the Städelscher Museums-Verein and the Cultural Foundation of the German Federal States. Also known as the Altenberg Madonna, the figure is one of the most important works of medieval sculpture in Germany and one of the oldest examples of fourteenth-century Cologne sculpture. It is unique in that its original paintwork is exceptionally well preserved. The Altenberg Madonna is listed in the register of cultural property of national significance and is therefore protected from export.

The Virgin and Child Enthroned is part of the altarpiece from the abbey church in Altenberg, Hesse. The Städel Museum has owned the painted wings of this altarpiece for 100 years. Together with the original altar shrine, on permanent loan from the Braunfels castle museum, the Altenberg Altar is a major work in the current collection presentation. The paintings on the altar wings are the oldest examples of German painting in the Städel Museum. The Altenberg Madonna was once enthroned in the altar shrine. The sculpture has been in private ownership in southern Germany since the 1920s and has been kept on permanent loan at the Bayerisches Nationalmuseum in Munich since 1981. With the acquisition of the Altenberg Madonna, all components of the altarpiece are now reunited and can be viewed permanently at the Städel Museum.

Philipp Demandt, Director of the Städel Museum, on the purchase: “After 100 years, the famous Altenberg Madonna has returned to its rightful place on the altar—a momentous occasion in the history of the Städel Museum! We owe the successful acquisition of this exceptional work of art to the foresight of the owners and the dedication of our sponsors. I would like to express my sincere gratitude to the Ernst von Siemens Art Foundation, the board, and all members of our support association, and the Cultural Foundation of the German Federal States.”

Work details
Virgin and Child Enthroned
Cologne, c. 1320/1330
Hardwood, painted
132 × 60 × 33 cm
Acquired in 2026 with funds from the Cultural Foundation of the German Federal States as well as Traute Kirchholtes. Joint property with the Ernst von Siemens Kunststiftung and the Städelscher Museums-Verein e.V.

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Monet on the Normandy Coast: The Discovery of Étretat, Bruegel’s Fantastic Worlds, New Perspectives with Elmgreen & Dragset, Skin in Art on Paper, Major exhibition on Mary Magdalene and 2027 Welcome to Paradise

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Presseinformation
Restaurierung der Flémaller Tafeln abgeschlossen

Meisterwerke der niederländischen Renaissance wieder in der Dauerausstellung Alte Meister zu sehen: Robert Campin und Werkstatt, Flémaller Tafeln: Heilige Veronika, Stillende Gottesmutter, Gnadenstuhl, (ca. 1428–1430)

Das Städel Museum präsentiert nach sieben Jahren intensiver Forschungs- und Restaurierungsarbeit zwei Hauptwerke aus der Sammlung Alte Meister wieder in neuem Glanz. Zwischen 2019 und 2025 wurden die Gemälde Heilige Veronika und Stillende Muttergottes des sogenannten Meisters von Flémalle einer umfassenden kunsttechnologischen Erforschung sowie einer konservatorischen und restauratorischen Bearbeitung unterzogen. Im Fokus der Maßnahmen standen die langfristige Sicherung der empfindlichen Substanz sowie die Wiederherstellung der ursprünglichen ästhetischen Wirkung der Gemälde. Des Weiteren konnten wichtige neue Erkenntnisse für die kunsthistorische Forschung gewonnen werden. Beide Werke sind ab sofort gemeinsam mit der dritten Flémaller Tafel, dem Gnadenstuhl, wieder im Sammlungsbereich Alte Meister zu sehen.

Restauratoren: Stephan Knobloch, Leiter Kunsttechnologie und Restaurierung - Gemälde und moderne Skulpturen (Städel Museum), Linda Schmidt, Diplom-Restauratorin (Städel Museum)
Sammlungsleiter: Prof. Dr. Jochen Sander, Sammlungsleiter Deutsche, Holländische und Flämische Malerei vor 1800
Gefördert durch: Enthusiasten des Städelschen Museums-Vereins e.V.

Presseinformation

Beckmann

3. Dezember 2025 bis 15. März 2026
Ausstellungshalle der Graphischen Sammlung

Max Beckmanns Werk entsteht in einer von Krisen und Umbrüchen geprägten Welt und verwandelt diese Erfahrungen in eine bis heute faszinierende Bildsprache. Den intimsten Teil seines Œuvres bilden die Zeichnungen: Wie ein Tagebuch dokumentieren sie Beckmanns künstlerische Entwicklung und dienten ihm zugleich als Medium der Beobachtung, der Bildfindung, aber auch der Bild-Erfindung. Das Städel Museum rückt diese Arbeiten nun in den Mittelpunkt und präsentiert rund 80 Werke aus allen Schaffensphasen – von bislang wenig bekannten Blättern bis hin zu herausragenden Hauptwerken. Sie eröffnen einen direkten, intensiven Zugang zu Beckmann (1884–1950), einem der bedeutendsten Künstler der Moderne.

Das Städel Museum verfügt über einen der herausragendsten Beckmann-Bestände weltweit und widmet sich seit mehr als einem Jahrhundert der Sammlung, Erforschung und Vermittlung seines Werkes. 2021 erhielt das Museum durch wichtige Dauerleihgaben aus der Sammlung von Karin und Rüdiger Volhard bemerkenswerten Zuwachs. Zusammen mit der Veröffentlichung des dreibändigen Werkverzeichnisses der schwarz-weißen Zeichnungen Max Beckmanns im Hirmer Verlag – mit dem Hedda Finke und Stephan von Wiese eine der letzten großen Forschungslücken zu Beckmanns Zeichnungen geschlossen haben – ist dies der Anlass für die retrospektive Schau.

Den Grundstock der Ausstellung bilden Zeichnungen aus dem eigenen Bestand des Städel Museums, ergänzt durch Leihgaben renommierter internationaler Museen und Privatsammlungen, darunter das Museum of Modern Art in New York, das British Museum in London, das Art Institute of Chicago, das Kunstmuseum Basel, die Hamburger Kunsthalle, das Kupferstichkabinett der Staatlichen Museen zu Berlin und das Museum der bildenden Künste Leipzig. Einzelne Gemälde und Druckgrafiken eröffnen darüber hinaus Einblicke in Beckmanns Arbeitsprozess und das Wechselspiel verschiedener Medien.

Die Ausstellung wird durch die Förderung der Adolf Würth GmbH & Co. KG, der Dagmar-Westberg-Stiftung und des Städelschen Museums-Vereins e. V. ermöglicht und erfährt darüber hinaus Unterstützung durch die Franz Dieter und Michaela Kaldewei Kulturstiftung sowie Dr. Ina Petzschke-Lauermann.

Philipp Demandt, Direktor des Städel Museums, zur Ausstellung: „Max Beckmann, das Städel Museum und die Stadt Frankfurt am Main sind seit über einem Jahrhundert eng miteinander verbunden. Trotz der Verluste fast aller Werke des Künstlers während der NS-Zeit verfügt das Museum heute über einen Beckmann-Bestand von internationalem Rang. Mit der aktuellen Ausstellung rücken wir nach über vierzig Jahren erstmals wieder gezielt Beckmanns Zeichnungen in den Mittelpunkt. Sie eröffnen einen eigenen, faszinierenden Kosmos seines Schaffens und machen seine künstlerische Entwicklung unmittelbar erfahrbar – nicht zuletzt dank der herausragenden Zusammenarbeit mit Hedda Finke und Stephan von Wiese, den Herausgebern des dreibändigen Werkverzeichnisses seiner Zeichnungen.“

Daniel Hoster, Vorstandsvorsitzender der Dagmar-Westberg-Stiftung: „Mit dem Blick unserer Stifterin auf Max Beckmann erscheint das Zitat aus seinem Tagebuch vom 18. Dezember 1940 als inspirierende Mahnung auch für unsere Zeit: ‚Die Rolle, die Du zur Zeit spielst, ist die schwierigste, aber auch großartigste die Dir das Leben bieten konnte – vergiß das nicht – Max Beckmann – und gerade so wie sie ist.‘ Im Sinne der großen Verbundenheit unserer Stiftungsgründerin mit dem Städel Museum freuen wir uns daher sehr, die Ausstellung zu Beckmanns Zeichnungen zu fördern. Sie eröffnet einen neuen Blick auf einen der bedeutendsten deutschen Künstler der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts – und auf ein Werk, das bis heute nichts von seiner Aktualität verloren hat.“

Die Kuratoren Regina Freyberger, Leiterin der Graphischen Sammlung ab 1800 am Städel Museum, Hedda Finke und Stephan von Wiese, Autoren des dreibändigen Werkverzeichnisses der Zeichnungen Beckmanns, ergänzen: „Die Zeichnungen sind ein Schlüssel zu Beckmanns Werk. Zeichnend entwickelte er seine unverwechselbare Bildsprache, hielt Gesehenes und Erlebtes fest, formte seine persönliche Weltanschauung und verwandelte flüchtige Eindrücke in vielschichtige, bedeutungsgeladene Kompositionen. Im Lauf seines Lebens entstanden mehr als 1.900 schwarz-weiße, nicht in Skizzenbüchern gebundene Zeichnungen in Feder, Kreide oder Bleistift – vom raschen Entwurf bis hin zum autonomen Bild. Die Ausstellung zeigt daraus eine ebenso konzentrierte wie repräsentative Auswahl, die – ergänzt um einzelne farbige Arbeiten, Druckgrafiken und Gemälde – den Zeichner Max Beckmann in großer Intensität erfahrbar machen.“

Rundgang durch die Ausstellung
Die Ausstellung verfolgt in sechs Kapiteln Beckmanns eigenständige künstlerische Entwicklung von der frühen Berliner Zeit bis zu den letzten Lebensjahren in den USA. Ergänzend sind ausgewählte druckgrafische Blätter in einem eigenen Kabinett neben dem Beckmann-Saal in der Dauerausstellung der Moderne zu sehen.

Anfänge in Berlin
Seine ersten künstlerischen Erfolge erzielte Max Beckmann 1906 in der Ausstellung der Berliner Secession. Akademisch ausgebildet, entwickelte er einen Stil, der dem deutschen Impressionismus nahestand. Dies zeigt sich etwa in den sanften Schraffuren des Selbstporträts von 1912 oder in der atmosphärischen Abendlichen Straßenszene (1913?). Inhaltlich reizten ihn die großen Themen: In monumentalen Historiengemälden mit biblischen, mythologischen oder zeitgeschichtlichen Motiven verarbeitete er grundlegende menschliche Konflikte, etwa in dem Entwurf Elefantenschlacht (1908). Mit dem Aufkommen des Expressionismus und der wachsenden kritischen Resonanz auf seine Werke begann Beckmann, sich stärker mit persönlichen Erlebnissen auseinanderzusetzen. Dies zeigen die Skizzen zum Entwurf von Die Nacht (1912), die Szenen einer Gewalttat festhalten, von der Beckmann vermutlich selbst Zeuge war.

Der Künstler im Krieg
Zu Beginn des Ersten Weltkriegs meldete sich Max Beckmann – wie viele Künstler seiner Generation – freiwillig zum Sanitätsdienst in der Hoffnung, neue Impulse für sein Schaffen zu gewinnen. Auf frühere, bildhaft komponierte Werke, die das Grauen des Krieges in Ostpreußen zeigen, folgten in Flandern zunehmend reduzierte Zeichnungen, die den Alltag der Soldaten, das Leid der Verwundeten und die Zerstörungen des Krieges sachlich und knapp festhalten. Werke wie Verwundeter Soldat mit Kopfverband (1915) zeigen den Menschen mit schnellen, kantigen Strichen in seiner Verletzlichkeit, während Aufgebahrter Toter (1915) durch seine eindringliche Bildsprache mit starken perspektivischen Verkürzungen wirkt. Auch die beiden Bildnisse Prof. Ferdinand Sauerbruch (1915) und Selbstporträt beim Zeichnen (1915) spiegeln diesen formalen Wandel und deuten bereits auf die charakteristische Bildsprache der kommenden Jahre hin.

Noch im Dezember 1914 entstanden Entwürfe für das Gemälde Auferstehung (Staatsgalerie Stuttgart), das Beckmann 1915 in Straßburg beginnen, aber nie vollenden sollte. Es ist das einzige Ölbild, das Beckmanns Kriegserfahrungen unmittelbar reflektiert. Fernab jeder Hoffnung steigen Tote aus ihren Gräbern in eine zersplitterte Landschaft. Erstmals wird in der Ausstellung eine große Entwurfszeichnung zu diesem Schlüsselwerk präsentiert, die vor wenigen Jahren im Nachlass Mathilde Q. Beckmanns im Zuge der Arbeit am Werkverzeichnis entdeckt wurde.

„Operationsbasis“ Frankfurt am Main
1915 kam Max Beckmann nach Frankfurt am Main und fand Zuflucht in der Schweizer Straße 3 bei seinem Studienfreund Ugi Battenberg und dessen Frau Fridel, die er in der intimen Federzeichnung Das Schäferstündchen (1915) festhielt. Nach den Erfahrungen im Ersten Weltkrieg entstand in diesem geschützten Umfeld eine neue Bildsprache. Die Kompositionen sind durch reduzierte, flächenhafte Formen geprägt. Perspektivische Verzerrungen erzeugen Bewegung und Spannung und betonen das „Groteske“, das etwa in Drei Zuschauer vor einer Bühne (1917) sichtbar wird. Dieser Stilwandel wird besonders deutlich im lithografischen Zyklus Die Hölle von 1919, zugleich eine der sozialkritischsten Arbeiten Beckmanns der Frankfurter Jahre. In der Ausstellung sind eine erste Variante sowie die Umdruckzeichnung und die Lithografie des vorletzten Blatts dieses Zyklus zu sehen. Sie verdeutlichen die enge Wechselwirkung zwischen Druckgrafik und Zeichnung, aber auch die Verbindung zur Malerei, etwa im Selbstbildnis mit Sektglas (1919), einem Hauptwerk der Städel-Sammlung, in dem Beckmann sich als Beobachter einer aus den Fugen geratenen Welt inszeniert. Beckmanns Zeichnungen werden immer eigenständiger, zudem beginnt sich in den späten 1920er-Jahren die Formensprache zu klären, sei es in Werken wie Spiegel auf einer Staffelei (1926), Junge mit Hummer (1926) oder Quappi mit Kerze (1928). Das gilt auch für seine größte Landschaftszeichnung Rimini (1927), die bis zur Beschlagnahmeaktion „Entartete Kunst“ Teil der ersten Beckmann-Sammlung im Städel unter Direktor Georg Swarzenski war.

Zäsur Nationalsozialismus
Mit der Machtübernahme der Nationalsozialisten 1933 verlor Max Beckmann seine Lehrtätigkeit an der Frankfurter Kunstgewerbeschule, der heutigen Städelschule. Seine Werke wurden als „entartet“ diffamiert. Er zog sich in seine Arbeit zurück und schuf im Jahr 1933 eine Gruppe motivisch sehr unterschiedlicher Aquarelle. In der Ausstellung sind Der Mord (1933), Geschwister (1933/37) und Schlangenkönig und Hummerfrau (1933) zu sehen. Sie repräsentieren Beckmanns Schaffen dieser Jahre und zeigen die zunehmende Mythisierung sowie die geheimnisvolle Komplexität seiner Kompositionen.

Exil in Amsterdam
Vor dem Hintergrund der bedrohlichen politischen Entwicklung reisten Max und Mathilde Q. Beckmann 1937 nach Amsterdam. Der zunächst als Zwischenstation auf dem Weg nach Paris geplante Aufenthalt dauerte aufgrund des Zweiten Weltkriegs nahezu zehn Jahre. Beckmann erlebte diese Zeit als Exil, geprägt von existenziellen Ängsten und materieller Unsicherheit. Im Auftrag des Frankfurter Mäzens Georg Hartmann entstanden die sehr persönlichen Zeichnungen zu Goethes Faust. Der Tragödie zweiter Teil. Sie zählen zu den Hauptwerken der Amsterdamer Zeit und bildeten die Grundlage für Beckmanns weiteres zeichnerisches Schaffen. In den 143 Federzeichnungen, von denen vier Blätter in der Ausstellung zu sehen sind, setzte Beckmann sich mit weitreichenden Themen auseinander, darunter das Verhältnis der Geschlechter und die Auswirkungen des Krieges. Daneben entstanden bildmäßig komponierte Arbeiten wie Haltestelle (1945), die die Erfahrung von Isolation und Stillstand im Exil spiegeln, sowie Champagnerfantasie (Vergrößerungsglas) (1945), in der Beckmann sein Leibgetränk in einer surrealen Vision zu einer symbolischen Ursuppe des Menschen verwandelte.

Neuanfang in den USA
1947/48 gelang Max Beckmann ein Neuanfang in den Vereinigten Staaten. Unbeeindruckt von der wachsenden Abstraktion in der zeitgenössischen Kunst rang er weiterhin um eine lesbare Weltdeutung und blieb formal der Figuration verpflichtet. Selbstbildnis mit Fisch (1949) und Rodeo (1949) zählen zu den eindrücklichsten Kompositionen, die Beckmanns Auseinandersetzung mit seiner neuen Lebensumgebung spiegeln. Die Ausstellung schließt mit Backstage (Hinter der Bühne) (1950), einem der letzten unvollendeten Gemälde Beckmanns, sowie seiner letzten Zeichnung, dem Bildnis Georg Swarzenski (1950). Swarzenski hatte ab 1918 die bedeutende Beckmann-Sammlung im Städel Museum aufgebaut, die bis heute die Grundlage für die kontinuierliche Erforschung und Präsentation seines Werkes bildet.
 

Extensive conservation and restoration measures planned

The Städel Museum is delighted to announce the start of extensive conservation and restoration measures, supplemented by intensive scientific research, on one of the most important works in its collection: The Blinding of Samson (1636) by Rembrandt Harmensz. van Rijn. This monumental history painting, measuring over two metres in height and more than three metres in width, is one of the central masterpieces of European art history. Previous restorations and natural ageing processes have left their mark on the painting. The conservation and restoration measures now planned, which will take place over the next three to four years, offer a great opportunity to bring Rembrandt’s masterpiece back to life in all its depth and expressiveness.

Philipp Demandt, Director of the Städel Museum: “Rembrandt’s The Blinding of Samson is a masterpiece of international standing and one of the key works in our collection of 17th-century Dutch painting. We are therefore all the more grateful to Bank of America for making this urgently needed restoration possible as part of its Art Conservation Project. This funding is a vital contribution to the preservation of our cultural heritage and ensures that this extraordinary work will continue to be experienced in all its splendour in the future.”

Planning for this project began as part of the exhibition “Call Me Rembrandt! Creativity and Competition” (2021–22). Jochen Sander, Head of German, Dutch and Flemish Paintings before 1800, emphasizes: “With the special exhibition, ‘Call Me Rembrandt! Creativity and Competition’, and the accompanying research colloquium, ‘Rembrandt in the Mirror of New Technological Investigations’, the results of which were recently published in ‘ArtMatters. International Journal for Technical Art History’, we have not only opened up new perspectives on Rembrandt’s work but also laid the foundation for a further research project. This project is the logical next step in the scientific examination of a major work in our Old Masters Collection.”

“Our goal is to restore Rembrandt’s painting to its original intensity while ensuring the long-term preservation of the painting’s substance. Every measure will be carefully tailored to the original techniques and materials in order to preserve the work as intended by the artist’, explains Stephan Knobloch, Head of Art Technology and Restoration at the Städel Museum.

You can find the full press release here as a PDF. 

Press release

Extensive Conservation And Restoration Measures Planned

The Städel Museum is delighted to announce the start of extensive conservation and restoration measures, supplemented by intensive scientific research, on one of the most important works in its collection: The Blinding of Samson (1636) by Rembrandt Harmensz. van Rijn. This monumental history painting, measuring over two metres in height and more than three metres in width, is one of the central masterpieces of European art history. Previous restorations and natural ageing processes have left their mark on the painting. The conservation and restoration measures now planned, which will take place over the next three to four years, offer a great opportunity to bring Rembrandt’s masterpiece back to life in all its depth and expressiveness.

Philipp Demandt, Director of the Städel Museum: “Rembrandt’s The Blinding of Samson is a masterpiece of international standing and one of the key works in our collection of 17th-century Dutch painting. We are therefore all the more grateful to Bank of America for making this urgently needed restoration possible as part of its Art Conservation Project. This funding is a vital contribution to the preservation of our cultural heritage and ensures that this extraordinary work will continue to be experienced in all its splendour in the future.”
Planning for this project began as part of the exhibition “Call Me Rembrandt! Creativity and Competition” (2021–22). Jochen Sander, Head of German, Dutch and Flemish Paintings before 1800, emphasizes: “With the special exhibition, ‘Call Me Rembrandt! Creativity and Competition’, and the accompanying research colloquium, ‘Rembrandt in the Mirror of New Technological Investigations’, the results of which were recently published in ‘ArtMatters. International Journal for Technical Art History’, we have not only opened up new perspectives on Rembrandt’s work but also laid the foundation for a further research project. This project is the logical next step in the scientific examination of a major work in our Old Masters Collection.”

“Our goal is to restore Rembrandt’s painting to its original intensity while ensuring the long-term preservation of the painting’s substance. Every measure will be carefully tailored to the original techniques and materials in order to preserve the work as intended by the artist’, explains Stephan Knobloch, Head of Art Technology and Restoration at the Städel Museum.