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Presseinformation
Restaurierung der Flémaller Tafeln abgeschlossen

Meisterwerke der niederländischen Renaissance wieder in der Dauerausstellung Alte Meister zu sehen: Robert Campin und Werkstatt, Flémaller Tafeln: Heilige Veronika, Stillende Gottesmutter, Gnadenstuhl, (ca. 1428–1430)

Das Städel Museum präsentiert nach sieben Jahren intensiver Forschungs- und Restaurierungsarbeit zwei Hauptwerke aus der Sammlung Alte Meister wieder in neuem Glanz. Zwischen 2019 und 2025 wurden die Gemälde Heilige Veronika und Stillende Muttergottes des sogenannten Meisters von Flémalle einer umfassenden kunsttechnologischen Erforschung sowie einer konservatorischen und restauratorischen Bearbeitung unterzogen. Im Fokus der Maßnahmen standen die langfristige Sicherung der empfindlichen Substanz sowie die Wiederherstellung der ursprünglichen ästhetischen Wirkung der Gemälde. Des Weiteren konnten wichtige neue Erkenntnisse für die kunsthistorische Forschung gewonnen werden. Beide Werke sind ab sofort gemeinsam mit der dritten Flémaller Tafel, dem Gnadenstuhl, wieder im Sammlungsbereich Alte Meister zu sehen.

Restauratoren: Stephan Knobloch, Leiter Kunsttechnologie und Restaurierung - Gemälde und moderne Skulpturen (Städel Museum), Linda Schmidt, Diplom-Restauratorin (Städel Museum)
Sammlungsleiter: Prof. Dr. Jochen Sander, Sammlungsleiter Deutsche, Holländische und Flämische Malerei vor 1800
Gefördert durch: Enthusiasten des Städelschen Museums-Vereins e.V.

Presseinformation

Beckmann

3. Dezember 2025 bis 15. März 2026
Ausstellungshalle der Graphischen Sammlung

Max Beckmanns Werk entsteht in einer von Krisen und Umbrüchen geprägten Welt und verwandelt diese Erfahrungen in eine bis heute faszinierende Bildsprache. Den intimsten Teil seines Œuvres bilden die Zeichnungen: Wie ein Tagebuch dokumentieren sie Beckmanns künstlerische Entwicklung und dienten ihm zugleich als Medium der Beobachtung, der Bildfindung, aber auch der Bild-Erfindung. Das Städel Museum rückt diese Arbeiten nun in den Mittelpunkt und präsentiert rund 80 Werke aus allen Schaffensphasen – von bislang wenig bekannten Blättern bis hin zu herausragenden Hauptwerken. Sie eröffnen einen direkten, intensiven Zugang zu Beckmann (1884–1950), einem der bedeutendsten Künstler der Moderne.

Das Städel Museum verfügt über einen der herausragendsten Beckmann-Bestände weltweit und widmet sich seit mehr als einem Jahrhundert der Sammlung, Erforschung und Vermittlung seines Werkes. 2021 erhielt das Museum durch wichtige Dauerleihgaben aus der Sammlung von Karin und Rüdiger Volhard bemerkenswerten Zuwachs. Zusammen mit der Veröffentlichung des dreibändigen Werkverzeichnisses der schwarz-weißen Zeichnungen Max Beckmanns im Hirmer Verlag – mit dem Hedda Finke und Stephan von Wiese eine der letzten großen Forschungslücken zu Beckmanns Zeichnungen geschlossen haben – ist dies der Anlass für die retrospektive Schau.

Den Grundstock der Ausstellung bilden Zeichnungen aus dem eigenen Bestand des Städel Museums, ergänzt durch Leihgaben renommierter internationaler Museen und Privatsammlungen, darunter das Museum of Modern Art in New York, das British Museum in London, das Art Institute of Chicago, das Kunstmuseum Basel, die Hamburger Kunsthalle, das Kupferstichkabinett der Staatlichen Museen zu Berlin und das Museum der bildenden Künste Leipzig. Einzelne Gemälde und Druckgrafiken eröffnen darüber hinaus Einblicke in Beckmanns Arbeitsprozess und das Wechselspiel verschiedener Medien.

Die Ausstellung wird durch die Förderung der Adolf Würth GmbH & Co. KG, der Dagmar-Westberg-Stiftung und des Städelschen Museums-Vereins e. V. ermöglicht und erfährt darüber hinaus Unterstützung durch die Franz Dieter und Michaela Kaldewei Kulturstiftung sowie Dr. Ina Petzschke-Lauermann.

Philipp Demandt, Direktor des Städel Museums, zur Ausstellung: „Max Beckmann, das Städel Museum und die Stadt Frankfurt am Main sind seit über einem Jahrhundert eng miteinander verbunden. Trotz der Verluste fast aller Werke des Künstlers während der NS-Zeit verfügt das Museum heute über einen Beckmann-Bestand von internationalem Rang. Mit der aktuellen Ausstellung rücken wir nach über vierzig Jahren erstmals wieder gezielt Beckmanns Zeichnungen in den Mittelpunkt. Sie eröffnen einen eigenen, faszinierenden Kosmos seines Schaffens und machen seine künstlerische Entwicklung unmittelbar erfahrbar – nicht zuletzt dank der herausragenden Zusammenarbeit mit Hedda Finke und Stephan von Wiese, den Herausgebern des dreibändigen Werkverzeichnisses seiner Zeichnungen.“

Daniel Hoster, Vorstandsvorsitzender der Dagmar-Westberg-Stiftung: „Mit dem Blick unserer Stifterin auf Max Beckmann erscheint das Zitat aus seinem Tagebuch vom 18. Dezember 1940 als inspirierende Mahnung auch für unsere Zeit: ‚Die Rolle, die Du zur Zeit spielst, ist die schwierigste, aber auch großartigste die Dir das Leben bieten konnte – vergiß das nicht – Max Beckmann – und gerade so wie sie ist.‘ Im Sinne der großen Verbundenheit unserer Stiftungsgründerin mit dem Städel Museum freuen wir uns daher sehr, die Ausstellung zu Beckmanns Zeichnungen zu fördern. Sie eröffnet einen neuen Blick auf einen der bedeutendsten deutschen Künstler der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts – und auf ein Werk, das bis heute nichts von seiner Aktualität verloren hat.“

Die Kuratoren Regina Freyberger, Leiterin der Graphischen Sammlung ab 1800 am Städel Museum, Hedda Finke und Stephan von Wiese, Autoren des dreibändigen Werkverzeichnisses der Zeichnungen Beckmanns, ergänzen: „Die Zeichnungen sind ein Schlüssel zu Beckmanns Werk. Zeichnend entwickelte er seine unverwechselbare Bildsprache, hielt Gesehenes und Erlebtes fest, formte seine persönliche Weltanschauung und verwandelte flüchtige Eindrücke in vielschichtige, bedeutungsgeladene Kompositionen. Im Lauf seines Lebens entstanden mehr als 1.900 schwarz-weiße, nicht in Skizzenbüchern gebundene Zeichnungen in Feder, Kreide oder Bleistift – vom raschen Entwurf bis hin zum autonomen Bild. Die Ausstellung zeigt daraus eine ebenso konzentrierte wie repräsentative Auswahl, die – ergänzt um einzelne farbige Arbeiten, Druckgrafiken und Gemälde – den Zeichner Max Beckmann in großer Intensität erfahrbar machen.“

Rundgang durch die Ausstellung
Die Ausstellung verfolgt in sechs Kapiteln Beckmanns eigenständige künstlerische Entwicklung von der frühen Berliner Zeit bis zu den letzten Lebensjahren in den USA. Ergänzend sind ausgewählte druckgrafische Blätter in einem eigenen Kabinett neben dem Beckmann-Saal in der Dauerausstellung der Moderne zu sehen.

Anfänge in Berlin
Seine ersten künstlerischen Erfolge erzielte Max Beckmann 1906 in der Ausstellung der Berliner Secession. Akademisch ausgebildet, entwickelte er einen Stil, der dem deutschen Impressionismus nahestand. Dies zeigt sich etwa in den sanften Schraffuren des Selbstporträts von 1912 oder in der atmosphärischen Abendlichen Straßenszene (1913?). Inhaltlich reizten ihn die großen Themen: In monumentalen Historiengemälden mit biblischen, mythologischen oder zeitgeschichtlichen Motiven verarbeitete er grundlegende menschliche Konflikte, etwa in dem Entwurf Elefantenschlacht (1908). Mit dem Aufkommen des Expressionismus und der wachsenden kritischen Resonanz auf seine Werke begann Beckmann, sich stärker mit persönlichen Erlebnissen auseinanderzusetzen. Dies zeigen die Skizzen zum Entwurf von Die Nacht (1912), die Szenen einer Gewalttat festhalten, von der Beckmann vermutlich selbst Zeuge war.

Der Künstler im Krieg
Zu Beginn des Ersten Weltkriegs meldete sich Max Beckmann – wie viele Künstler seiner Generation – freiwillig zum Sanitätsdienst in der Hoffnung, neue Impulse für sein Schaffen zu gewinnen. Auf frühere, bildhaft komponierte Werke, die das Grauen des Krieges in Ostpreußen zeigen, folgten in Flandern zunehmend reduzierte Zeichnungen, die den Alltag der Soldaten, das Leid der Verwundeten und die Zerstörungen des Krieges sachlich und knapp festhalten. Werke wie Verwundeter Soldat mit Kopfverband (1915) zeigen den Menschen mit schnellen, kantigen Strichen in seiner Verletzlichkeit, während Aufgebahrter Toter (1915) durch seine eindringliche Bildsprache mit starken perspektivischen Verkürzungen wirkt. Auch die beiden Bildnisse Prof. Ferdinand Sauerbruch (1915) und Selbstporträt beim Zeichnen (1915) spiegeln diesen formalen Wandel und deuten bereits auf die charakteristische Bildsprache der kommenden Jahre hin.

Noch im Dezember 1914 entstanden Entwürfe für das Gemälde Auferstehung (Staatsgalerie Stuttgart), das Beckmann 1915 in Straßburg beginnen, aber nie vollenden sollte. Es ist das einzige Ölbild, das Beckmanns Kriegserfahrungen unmittelbar reflektiert. Fernab jeder Hoffnung steigen Tote aus ihren Gräbern in eine zersplitterte Landschaft. Erstmals wird in der Ausstellung eine große Entwurfszeichnung zu diesem Schlüsselwerk präsentiert, die vor wenigen Jahren im Nachlass Mathilde Q. Beckmanns im Zuge der Arbeit am Werkverzeichnis entdeckt wurde.

„Operationsbasis“ Frankfurt am Main
1915 kam Max Beckmann nach Frankfurt am Main und fand Zuflucht in der Schweizer Straße 3 bei seinem Studienfreund Ugi Battenberg und dessen Frau Fridel, die er in der intimen Federzeichnung Das Schäferstündchen (1915) festhielt. Nach den Erfahrungen im Ersten Weltkrieg entstand in diesem geschützten Umfeld eine neue Bildsprache. Die Kompositionen sind durch reduzierte, flächenhafte Formen geprägt. Perspektivische Verzerrungen erzeugen Bewegung und Spannung und betonen das „Groteske“, das etwa in Drei Zuschauer vor einer Bühne (1917) sichtbar wird. Dieser Stilwandel wird besonders deutlich im lithografischen Zyklus Die Hölle von 1919, zugleich eine der sozialkritischsten Arbeiten Beckmanns der Frankfurter Jahre. In der Ausstellung sind eine erste Variante sowie die Umdruckzeichnung und die Lithografie des vorletzten Blatts dieses Zyklus zu sehen. Sie verdeutlichen die enge Wechselwirkung zwischen Druckgrafik und Zeichnung, aber auch die Verbindung zur Malerei, etwa im Selbstbildnis mit Sektglas (1919), einem Hauptwerk der Städel-Sammlung, in dem Beckmann sich als Beobachter einer aus den Fugen geratenen Welt inszeniert. Beckmanns Zeichnungen werden immer eigenständiger, zudem beginnt sich in den späten 1920er-Jahren die Formensprache zu klären, sei es in Werken wie Spiegel auf einer Staffelei (1926), Junge mit Hummer (1926) oder Quappi mit Kerze (1928). Das gilt auch für seine größte Landschaftszeichnung Rimini (1927), die bis zur Beschlagnahmeaktion „Entartete Kunst“ Teil der ersten Beckmann-Sammlung im Städel unter Direktor Georg Swarzenski war.

Zäsur Nationalsozialismus
Mit der Machtübernahme der Nationalsozialisten 1933 verlor Max Beckmann seine Lehrtätigkeit an der Frankfurter Kunstgewerbeschule, der heutigen Städelschule. Seine Werke wurden als „entartet“ diffamiert. Er zog sich in seine Arbeit zurück und schuf im Jahr 1933 eine Gruppe motivisch sehr unterschiedlicher Aquarelle. In der Ausstellung sind Der Mord (1933), Geschwister (1933/37) und Schlangenkönig und Hummerfrau (1933) zu sehen. Sie repräsentieren Beckmanns Schaffen dieser Jahre und zeigen die zunehmende Mythisierung sowie die geheimnisvolle Komplexität seiner Kompositionen.

Exil in Amsterdam
Vor dem Hintergrund der bedrohlichen politischen Entwicklung reisten Max und Mathilde Q. Beckmann 1937 nach Amsterdam. Der zunächst als Zwischenstation auf dem Weg nach Paris geplante Aufenthalt dauerte aufgrund des Zweiten Weltkriegs nahezu zehn Jahre. Beckmann erlebte diese Zeit als Exil, geprägt von existenziellen Ängsten und materieller Unsicherheit. Im Auftrag des Frankfurter Mäzens Georg Hartmann entstanden die sehr persönlichen Zeichnungen zu Goethes Faust. Der Tragödie zweiter Teil. Sie zählen zu den Hauptwerken der Amsterdamer Zeit und bildeten die Grundlage für Beckmanns weiteres zeichnerisches Schaffen. In den 143 Federzeichnungen, von denen vier Blätter in der Ausstellung zu sehen sind, setzte Beckmann sich mit weitreichenden Themen auseinander, darunter das Verhältnis der Geschlechter und die Auswirkungen des Krieges. Daneben entstanden bildmäßig komponierte Arbeiten wie Haltestelle (1945), die die Erfahrung von Isolation und Stillstand im Exil spiegeln, sowie Champagnerfantasie (Vergrößerungsglas) (1945), in der Beckmann sein Leibgetränk in einer surrealen Vision zu einer symbolischen Ursuppe des Menschen verwandelte.

Neuanfang in den USA
1947/48 gelang Max Beckmann ein Neuanfang in den Vereinigten Staaten. Unbeeindruckt von der wachsenden Abstraktion in der zeitgenössischen Kunst rang er weiterhin um eine lesbare Weltdeutung und blieb formal der Figuration verpflichtet. Selbstbildnis mit Fisch (1949) und Rodeo (1949) zählen zu den eindrücklichsten Kompositionen, die Beckmanns Auseinandersetzung mit seiner neuen Lebensumgebung spiegeln. Die Ausstellung schließt mit Backstage (Hinter der Bühne) (1950), einem der letzten unvollendeten Gemälde Beckmanns, sowie seiner letzten Zeichnung, dem Bildnis Georg Swarzenski (1950). Swarzenski hatte ab 1918 die bedeutende Beckmann-Sammlung im Städel Museum aufgebaut, die bis heute die Grundlage für die kontinuierliche Erforschung und Präsentation seines Werkes bildet.
 

Extensive conservation and restoration measures planned

The Städel Museum is delighted to announce the start of extensive conservation and restoration measures, supplemented by intensive scientific research, on one of the most important works in its collection: The Blinding of Samson (1636) by Rembrandt Harmensz. van Rijn. This monumental history painting, measuring over two metres in height and more than three metres in width, is one of the central masterpieces of European art history. Previous restorations and natural ageing processes have left their mark on the painting. The conservation and restoration measures now planned, which will take place over the next three to four years, offer a great opportunity to bring Rembrandt’s masterpiece back to life in all its depth and expressiveness.

Philipp Demandt, Director of the Städel Museum: “Rembrandt’s The Blinding of Samson is a masterpiece of international standing and one of the key works in our collection of 17th-century Dutch painting. We are therefore all the more grateful to Bank of America for making this urgently needed restoration possible as part of its Art Conservation Project. This funding is a vital contribution to the preservation of our cultural heritage and ensures that this extraordinary work will continue to be experienced in all its splendour in the future.”

Planning for this project began as part of the exhibition “Call Me Rembrandt! Creativity and Competition” (2021–22). Jochen Sander, Head of German, Dutch and Flemish Paintings before 1800, emphasizes: “With the special exhibition, ‘Call Me Rembrandt! Creativity and Competition’, and the accompanying research colloquium, ‘Rembrandt in the Mirror of New Technological Investigations’, the results of which were recently published in ‘ArtMatters. International Journal for Technical Art History’, we have not only opened up new perspectives on Rembrandt’s work but also laid the foundation for a further research project. This project is the logical next step in the scientific examination of a major work in our Old Masters Collection.”

“Our goal is to restore Rembrandt’s painting to its original intensity while ensuring the long-term preservation of the painting’s substance. Every measure will be carefully tailored to the original techniques and materials in order to preserve the work as intended by the artist’, explains Stephan Knobloch, Head of Art Technology and Restoration at the Städel Museum.

You can find the full press release here as a PDF. 

Press release

Extensive Conservation And Restoration Measures Planned

The Städel Museum is delighted to announce the start of extensive conservation and restoration measures, supplemented by intensive scientific research, on one of the most important works in its collection: The Blinding of Samson (1636) by Rembrandt Harmensz. van Rijn. This monumental history painting, measuring over two metres in height and more than three metres in width, is one of the central masterpieces of European art history. Previous restorations and natural ageing processes have left their mark on the painting. The conservation and restoration measures now planned, which will take place over the next three to four years, offer a great opportunity to bring Rembrandt’s masterpiece back to life in all its depth and expressiveness.

Philipp Demandt, Director of the Städel Museum: “Rembrandt’s The Blinding of Samson is a masterpiece of international standing and one of the key works in our collection of 17th-century Dutch painting. We are therefore all the more grateful to Bank of America for making this urgently needed restoration possible as part of its Art Conservation Project. This funding is a vital contribution to the preservation of our cultural heritage and ensures that this extraordinary work will continue to be experienced in all its splendour in the future.”
Planning for this project began as part of the exhibition “Call Me Rembrandt! Creativity and Competition” (2021–22). Jochen Sander, Head of German, Dutch and Flemish Paintings before 1800, emphasizes: “With the special exhibition, ‘Call Me Rembrandt! Creativity and Competition’, and the accompanying research colloquium, ‘Rembrandt in the Mirror of New Technological Investigations’, the results of which were recently published in ‘ArtMatters. International Journal for Technical Art History’, we have not only opened up new perspectives on Rembrandt’s work but also laid the foundation for a further research project. This project is the logical next step in the scientific examination of a major work in our Old Masters Collection.”

“Our goal is to restore Rembrandt’s painting to its original intensity while ensuring the long-term preservation of the painting’s substance. Every measure will be carefully tailored to the original techniques and materials in order to preserve the work as intended by the artist’, explains Stephan Knobloch, Head of Art Technology and Restoration at the Städel Museum. 
 

Contract as Director of the Städel Museum and the Liebieghaus Skulpturensammlung extended until 2031

Philipp Demandt will remain at the helm of the Städel Museum and the Liebieghaus Skulpturensammlung for a further six years. This decision was made unanimously by the Städel Museum’s administration at its last meeting. The decision to extend his contract reaffirms Demandt’s commitment to one of Europe’s most renowned art museums. Philipp Demandt has been director of the Städel Museum and the Liebieghaus Skulpturensammlung since 2016; until 2022, he also headed the Schirn Kunsthalle Frankfurt. He came to Frankfurt from the Nationalgalerie in Berlin in 2016.

The Städel Museum, financed by the Stiftung Städelsches Kunstinstitut, is the oldest civic museum foundation in Germany. The museum is significantly supported in its operations by companies, foundations, private sponsors, the City of Frankfurt and the State of Hesse. Since 2006, the Liebieghaus Skulpturensammlung has been managed as an operating company by the Städel Museum.

Wolfgang Kirsch, Chairman of the Administration of the Stiftung Städelsches Kunstinstitut, comments on the extension: “Philipp Demandt has been managing the Städel Museum and the Liebieghaus with great success and widespread acclaim since 2016. With a clear signature and a resolute attitude, diverse programming and innovative educational offerings, he has firmly established his institutions among the top German and international museums. Special exhibitions and new acquisitions, as well as scholarship and research, set standards, as do communication, education and fundraising. The administration of the Städel Museum would like to thank Philipp Demandt and his team for their outstanding performance in recent years and looks forward to continuing to work with them.”

“I am excited and delighted to be able to continue our joint work at the Städel Museum and the Liebieghaus in the coming years. We have achieved a great deal. And we have even more planned, as our institution has some decisive years ahead of it. My sincere thanks go to our loyal audience, as well as to all our partners and supporters from the worlds of business, politics and philanthropy. Without the outstanding commitment of the local community, whose dedication to the Städel Museum is unparalleled, the success story of our institution would not have been possible. I would therefore like to express my sincere gratitude to the Städelscher Museums-Verein, chaired by Sylvia von Metzler, whose members and support groups have accompanied us with generosity and reliability. My special thanks go to all my colleagues at the Städel Museum and the Liebieghaus, whose magnificent work is the cornerstone of our institutions’ joint success—their trust makes me prouder than anything else to be able to carry out this role”, said Philipp Demandt, Director of the Städel Museum and the Liebieghaus Skulpturensammlung.

Read the full press release here as a PDF. 

PRESS RELEASE

MAJOR EXHIBITION DEDICATED TO CARL SCHUCH AND MODERN FRENCH PAINTING FROM 24 SEPTEMBER / TICKET PRE-SALES NOW OPEN

The Städel Museum is dedicating a major exhibition to Impressionist and Realist painting from 24 September 2025. The focus is on Carl Schuch (1846–1903), arguably the most famous “unknown” protagonist of late 19th-century painting. Although largely ignored by the public during his lifetime, Schuch’s work attracted considerable attention from critics, museums, and collectors after his death—only to be forgotten again. With “Carl Schuch and France“, the Städel Museum presents a brilliant rediscovery, bringing together Schuch’s fascinating paintings with important works of French art, including paintings by Paul Cézanne, Camille Corot, Gustave Courbet, Édouard Manet and Claude Monet. The exhibition focuses on Schuch’s years in Paris. A restless cosmopolitan, he settled in the metropolis in 1882 and experienced the most productive phase of his artistic career there.

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PRESS RELEASE

Werner Tübke. Metamorphoses

2 JULY–28 SEPTEMBER 2025
Exhibition Hall of the Department of Prints and Drawings
Press Preview: Tuesday, 1 July 2025, 11.00 am

In 2023, the Städel Museum received an impressive and representative collection of works by Werner Tübke, one of the most important painters of the German Democratic Republic, from the collection of Barbara and Eduard Beaucamp. From 2 July to 28 September 2025, the Städel is now presenting this outstanding donation of forty-six drawings and watercolours by Tübke in an exhibition dedicated to his graphic work and metaphorical visual language. Tübke (1929–2004) ranks alongside Bernhard Heisig and Wolfgang Mattheuer as one of the leading representatives of the so-called First Leipzig School and created a body of work in painting and drawing that is autonomous and consistent, dense in both form and content. “Drawing is an elementary need”, the artist once said, “everything else comes afterwards.” Tübke’s watercolours and drawings in graphite, pen and chalk testify to his great creative freedom and independence. They are an essential part of his artistic oeuvre: he used them to collect ideas, explore formal considerations and develop a wide variety of themes.

In his multi-layered compositions, characterized by an imaginative, sometimes almost exuberant fantasy, Werner Tübke reflects on the complexity of the world, with all its existential questions, hardships, and conflicts. In doing so, he demonstrates a keen awareness of human vulnerability, placing the individual at the centre of his art. Angels, unicorns and magicians, harlequins, veiled and bound figures, and repeatedly tortured and masked characters populate his works. In his “world theatre”, time is suspended through the creative appropriation of older art history, and everything is permeated by memories. While his art is characterized by a realistic formal language, the pictorial statements often remain ambiguous. Tübke was less concerned with a concrete reproduction of reality than with “interpreting existence”.

Werner Tübke’s outstanding contribution to post-war German art was recognized and honoured early on by the West German art critic Eduard Beaucamp. He followed the work of the “great anachronistic” artist from the late 1960s onwards, first as an art critic for the Frankfurter Allgemeine Zeitung, then as a friend and collector. The Städel Museum, Germany’s oldest private museum foundation, is supported by private patrons, companies and foundations, as well as the city of Frankfurt and the state of Hesse. Barbara and Eduard Beaucamp have been associated with the Städel for many years through their commitment. In 2010, the museum received Guercino’s Virgin and Child (1621–1622) from the Beaucamp Collection as a donation.

Philipp Demandt, Director of the Städel Museum, on the exhibition: “Werner Tübke is a solitary figure in post-war German art. His works challenge us to recognize the human in the abysmal, the timeless in the historical and the true in the alienated. It is thanks to Eduard Beaucamp’s decades of tireless commitment that we are able to show his drawings in such depth today. As an art critic, friend and collector, he recognized Tübke’s stature early on and communicated it passionately to the public. The generous donation by Barbara and Eduard Beaucamp represents far more than a significant addition to the Städel Museum’s collection; it sheds new light on Tübke’s work and cements its place in art-historical consciousness.”

“The seemingly realistic nature of Tübke’s work is deceptive, because his art is far from representational or unambiguous. There are always ‘tipping points’, ambiguities and multiple meanings. He was interested in fundamental human themes, which he approached directly through his paintings and drawings. He virtually circled them with each new work. Beaucamp aptly described this artistic approach as ‘thinking in images’. Consequently, Tübke rarely produced classical preliminary sketches for his paintings. Rather, painting, drawing and printmaking were all equal parts of an ongoing process of reflection. The end result is not one pictorial solution, but many—spanning various media and decades. Tübke’s art proves to be constantly changing and as metamorphic as his visual language”, adds Regina Freyberger, Head of Prints and Drawings after 1800 at the Städel Museum and curator of the exhibition.

Curator: Dr. Regina Freyberger (Head of Prints and Drawings after 1800, Städel Museum)
Sponsored by: Heinz and Gisela Friederichs Foundation
With additional support from: Fritz P. Mayer

The full press release can be found here.

PRESS RELEASE

UNCENSORED. ANNEGRET SOLTAU—A RETROSPECTIVE

8 MAY 2025–17 AUGUST 2025
Exhibition annex

The body is political—as the work of artist Annegret Soltau (b. 1946) impressively demonstrates. Her art has been causing a stir since the 1970s and remains as relevant as ever. Long considered an insider’s tip despite her art historical significance, Soltau’s work is now regarded as one of the most important positions in feminist photography and body art.
Over the course of more than five decades and in the face of much opposition, Soltau’s independent, radically feminist visual language has established her as an indispensable voice in contemporary art. The Städel Museum is dedicating the first retrospective to her, developed in collaboration with the artist. With more than eighty works, the exhibition offers a comprehensive insight into her multifaceted oeuvre, which ranges from drawings to extended photography, video and installation. Among them are groundbreaking works from Soltau’s studio, some of which are being exhibited for the first time. Important loans from renowned institutions such as the Sammlung Verbund in Vienna, the Louisiana Museum of Modern Art in Humlebæk, the Lenbachhaus in Munich and the ZKM | Center for Art and Media Karlsruhe complete the exhibition.

The exhibition is sponsored by the Art Mentor Foundation Lucerne, the Cultural Foundation of Hesse, the Alexander Tutsek-Stiftung and the Städelscher Museums-Verein e. V. Additional support is provided by Yoram Roth and the Georg und Franziska Speyer’sche Hochschulstiftung.

Central themes in Soltau’s work include feminism, body politics and the challenge of human and female identity. To this end, she has developed her own innovative techniques that transcend the boundaries of photography—photo-sewing, photo-restitching and photo-etching. In her self-portraits, Soltau questions female role models and sheds light on social norms by visualizing complex emotional worlds, inner conflicts and emotional states. Since the late 1970s, she has devoted herself to an artistic exploration of pregnancy and motherhood—themes that have been underrepresented in art for centuries and have only recently begun to receive increasing attention in both society and the art world. Her work is also a poignant expression of the ageing of the female body and questions of mortality. Soltau’s work has repeatedly been subject to public censorship; her depictions deviate from established aesthetic conventions and are perceived as provocative. The exhibition at the Städel Museum is an important corrective to this reception and a long overdue tribute to this great feminist and artist.

“Annegret Soltau’s radical formal language and fearless deconstruction of the human body open up new perspectives on identity, corporeality and artistic self-determination. Her art is highly expressive and ahead of its time. With this first retrospective, we honour more than five decades of Annegret Soltau’s artistic work. At the same time, it underscores the Städel Museum’s commitment to making pioneering women artists visible and to encouraging a broad public to engage with essential themes in contemporary art”, explains Philipp Demandt, Director of the Städel Museum.

Svenja Grosser, Head of Contemporary Art and curator of the exhibition, summarizes: “Annegret Soltau uses the body, her own self, as a venue for negotiating social structures. With her radical photo-sewing, she has created an entirely new artistic language and established the female body as a medium of self-empowerment. While she is internationally recognized, she has repeatedly faced drastic censorship in this country. We would like to correct this contradictory reception and present the artist Annegret Soltau for what she is: a pioneer of feminist art in Germany.”

The full press release can be found here.